Edouard Manet

En el siglo XIX, se vio un cambio profundo. Florece el capitalismo y la estructura en las clases sociales pero hay inestabilidad provocada por la protesta de la clase trabajadora: el pueblo. A lo que solo podría darle satisfacción los adelantos técnicos. Por eso el impresionismo, se hace eco de los planteamientos científicos. En 1874 Manet presenta su obra "Amanecer del Sol": Impresión, de donde provendrá el nombre impresionistas de donde provendrá el nombre de impresionistas que pertenecen además Monet, Renoir, y Degas. Presentará una reañlidad precibida por el pintor en un momento dado.

En estos cambios artísticos, nace la fotografía donde el fotógrafo pasa a ser rival de los pintores, esto obliga a hacer nuevos planteamientos artísticos en sus obras. Para esto, el pintor recurre a la imaginación para asñi poder plasmar impresiones de momentos en la naturaleza. Por eso, rompe la línea del pasado clásico y muestra volumen y elcaroscuro como algo superfluo a favor de una pintura más científica y moderna, además los impresionistas sacarán partido de la exaltación de los colores complementarios, como por chambiejemplo: El verde se exalta junto al rojo, pero en masas iguales (mezclas) se convierte en grisaceas.

Chambiarte te dice...

Se aplicará en la pintura impresionista conocimientos mediante pinceladas rápidas o en puntos que parecen disolver la materia pero contemplados a cierta distancia, reproduce la naturaleza y su luminosidad.

Recordemos que esta técnica ya había sido practida por Velásquez, Goya y Corot, pero ellos estaban avocados con el tema de la luz, los impresionistas son algo más que eso.

Edouard Manet

A partir de esto el creador del impresionismo Edouard Manet creó su obra el "Salón de los Rechazados", "El Almuerzo Campestre".

"El Almuerzo Campestre".

Esta es la mejor muestra de la combinación de clasismo y modernidad de la pintura de Manet, es evidente que estaba inspirado en el concierto campestre de Giorgine y Tiziano. A pesar de ser tan buena en vista del público, su obra fue rechazada por la Academia y convertida en el centro de todas las crñiticas. No se podía admitir una pintura sin modelado, en la que los cuerpos, los paños, las ramas de los árboles, etc.

Toda esta escena en la pintura muestra una yuxtaposición de zonas claras y oscuras.

El Impresionismo

Louis Leory, utilizó despectivamente el término impresionsita para definir la forma de entender y hacer la pintura de ese grupo de artistas que se definian a sí mismos como realistas.

Las razones del escándalo y de las críticas que originaron los cuadros de estos artistas provienen de diferentes aspectos y no solo de que esta forma de pintar supiera una ruptura con la tradición académica. Es más, su verdadera aportación a la verdadera pintura moderna se encuentra en las obras de pintores parcialmente vinculados a los impresionistas, quines, por otra parte, presentaban enormes diferencias entre sí.

Chambiarte te dice:

No olvides que...

El impresionismo es uno de los movimientos pictóricos más interesantes de la historia del arte, pues reivindica la autonomía del lenguaje artístico y la destrucción de los convencionalismos académicos.

A través de la pintura impresionista, podemos estudiar la transformación de la imagen artística tradicional.

Romanticismo

Debido a planteamienstos estéticos basados en la subjetividad y el sentimiento, surge en Gran Bretaña, a mediados del sigo XVIII el Romanticismo, movimiento que también está interesado en la arquitectura gótica y la idea de los pintoresco.

La arquitectura gótica es para los primeros románticos la materialización de sus ideales, tales como la religión cristiana y pasado nacional glorioso.

El romanticismo se basa, en la reinvidicación de la subjetividad de los sentimientos individuales. Por ende, no se considera un movimiento monolítico sino que en ella caben posturas, dispares desde el punto de vista ideológico; sin embargo, existen conceptos básicos que logran darle coherencia: individualismo, sensibilidad, inconformismo y un sentimiento de huída.

A pesar de todo, no todo el Romanticismo supone supone un esfuerzo de liberación de la realidad más inmediata; también se caracteriza por saber unir la sugestión que les causan otros paisajes y épocas cin la preocupación por el mundo que les rodea.

Principales autores

Delacroix (1780-1867)

El Romanticismo apuesta por la libertad y la dignificación del hombre frente a cualquier auoritarismo, pero paradójicamente se olvida del hombre en general a favor del hombre individual que ahora pierde el soporte exterior para quedarse sólo consigo mismo.

Delacorix, es el pintor más representativo del Romanticismo francés. Sus obras están inspiradas en lecturas fantásticas, literarias e histróricas, que le sirven de excusa para hacer alarde de un rico cromatismo, hasta el punto de convertirse en parte importante de la obra por encima del tema.

Esa fogosidad del color nos deja entrever la influencia de las obras de Rubens, Rfael y venecianos expuestos en Louvre. Al contrario de los neoclásicos, el gris es desterrado de su rica paleta por su proximidad a la escultura.

Obras:

La Libertad guiando al pueblo.

Francisco de Goya

Su etapa neoclásica fue muy breve y no muy importante, sin embargo realizó algunas obras:

en 1787 pintó tres lienzo para el Convento de Santa Ana de Valladolid, fue ahí donde plasmó su arte neoclásico pues presentaba colores fríos y el efecto arquitectónico de los pliegues a pesar que el color se escapase de las rogodesces del dibujo.

Técnias de la pintura de Goya:

El color:

-Su pintura es esencialmente colorista, llegando a composiciones limpias y llenas de luz.
-Investiga y aplica también los grises, los tonos rojizos y las coloraciones intensas.
-Descubre también el negro, donde logra plasmarlo en parte de las composiciones de la Quinta del Sordo. Más adelante, el negro es parte importante en sus retratos.

La pincelada:

-Su pincelada es ancha, parecido a una mancha.
-Utiliza también la espátula y hasta los dedos.

Retratos:

Pintó a los personajes más importantes de su tiempo, pero también pintó personaes representativos de todas las clases sociales; desde el rey hasta el más pobre vagabundo.

La Maja desnuda:

Se piensa que es la representación artística de la duquesa de Alba. Esta obra es polémica pues rompía con los reglas académicas. Es una obra perfecta, por ende se considera que más que un retatro es una representación ideal.

Neoclasicismo en América

En losEstados Unidos se desarrolló el neoclasicismo surgió entre 1780 y 1820.El arquitecto Charles Bulfinch realiza la Massachusetts State House en Boston terminada en el año 1798. El modelo para el edificio del Capitolio de Thomas Jefferson en Richmond, Virginia (1785-1789), fue el templo romano del siglo I la Maison-Carrée en Nimes, Francia.

Por medio de lecturas y de viajes, Jefferson realizó un profundo estudio de la arquitectura romana, aplicó sus conocimientos a los diseños de su propia casa en Monticello, a los del campus de la Universidad de Virginia y contribuyó en los proyectos preliminares de la nueva capital Washington D.C.

La arquitectura del Capitolio

Del lado opuesto, es decir, desde dentro hacia afuera el espectador verá en el horizonte un cuadro perfecto flanqueado por estructuras con un carácter propio y un significado interior que provee de unidad, el diseño del imperio proyectado en el más puro estilo neoclásico y construido en mármol blanco.

El neoclasicismo en Hispanoamérica:

También estuvo dirigido por las Academias. Entre los edificios más representativos destacan la Casa de la Moneda en Santiago de Chile, el palacio de la Minería y la fábrica de cigarros en México, y la iglesia de San Francisco en Cali, Colombia.

En México, el Neoclasicismo empezó a dar sus primeros pasos con la creación del paseo de Bucarelli y otras como el castillo de Chapultepec. Es necesario tomar en cuenta que la época más representativa del neoclasicismo se da en el período de Porfirio Díaz, donde se desarrollan obras de gran contenido Neoclásico. Para esto sólo basta recorrer las calles de Reforma y la columna de la independencia.

Neoclasicismo y Literatura

En Hispanoamérica el neoclasicismo defendió el predominio de la razón y el equilibrio en contraposición al exagerado estilo barroco.

Este movimiento artístico acompañó el inicio de las luchas por la independencia de los distintos países.

CARACTERISTICAS DEL NEOCLASICISMO:

INTENSO PATRIOTISMO: Afloraba el amor por la patria que lograron su libertad después de muchas luchas para poder independizarse. Esto inspiró a los escritores para producir una literatura de libertad y dignidad.

REVOLUCION DEL SER AMERICANO: Desde la narración de la patria independiente se revalora el pasado indígena y los habitantes de América.

"La raza indica por el contrario hacha a los rudos trabajadores ni palidece…abajo las hiladas lluvias, ni teme al sol cuando flamea su quemante antorcha".

Rafael Landivar

INTENCION DIDÁCTICA: Enseñaban a través de la literatura, espcialmente la fábula.


EXALTACION DE LA NATURALEZA: Los escritores neoclásicos exaltaron la naturaleza como un elemento que produce sentimientos y belleza.


"Tendida para ti, la fresca parcha en enramadas de verdor lozano, cuelga de sus armientos trepadores nectaros globos franjadas flores y para ti el maíz, jefe altanero de la espiga tribo.
Hincha su grano y para ti el banano. Desmaya el peso de su dulce cargo".

ANDRES BELLO(1781-1865)

Para tener en cuenta acerca del Neoclasicismo

Estuvo influenciado por los siguientes factores:

-El movimiento de la Ilustración.

-La fe ilimitada en la ciencia y la razón.

-La búsqueda del progreso y la defensa de las reformas en todos los campos.

-Un profundo apego hacia la naturaleza, el mundo clásico y el nacimiento de la Arqueología.

-Las academias cobran una gran importancia e imponen cánones escritos a las artes.

-El continuo auge de la burguesía determina un importante cambio en las actividades artísticas.

Neoclasicismo

El siglo XVII, denominado también como el Siglo de las Luce o el Siglo de la Razón, tiene en París (Francia) su fuente de inspiración para las letras y para las artes.
La pintura llega a convertirse en un arte netamente decorativo, por ejemplo, Jean-Antonie Watteau produce cuadros de extrema delicadeza. Sin embargo, a medadiso del siglo, el Barroco y el Rococó empezaron a cansar, sin embargo, por cosas de la vida, el 1748, se descubrieron las ruina de Pompeya, entonces Europa se ve asombrada por la antiguedad clásica y es así como se da génesis al Neoclasicismo.

Este arte realiza imitaciones de la arquitectura griega con el objetivo de aprender de ella. Cada autor se materializa en una interpretación distinta. Existe una pugna entre la funcionalidad del edificio y la forma. Manejan profundamente el arte dórico y los frontones poblados de estatuas. Surgen nuevas edificaciones nuevas ; bolsas de comercio, bibliotecas teatros, cementerios, hospitales, almacenes, cárceles, etc.

Pintores famosos del Barroco

"Francesco Borromini (1599-1667)

Su formación de escultor influyó en su obra arquitectónica. Debido a su ser religioso, tuvo un espíritu atormentado el cual plasmaba en sus creaciones sin abandonar la tradición clásica. Impuso los efectos de la perspectiva, la línea curva y el juego de luces y sombras, logrando un ambiente de sorpresa.

Obras:

"La Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes"

Consta de una planta oval con el juego de líneas y rectas del entablamiento junto con la cúpula ovalada, decorada con artesanado cruciforme decreciente provocando una ilusión espacial.

José Ribera 1591-1652)

Influido por el tenebrismo de Caravaggio logró convertise en uno de sus mejores apósotoles, sin embargo Josñe Ribera lo supera por su arte de fusionar luces y sombras con el humanismo de sus figuras. Sus obras emergen sobre unos fondos oscuros que logran la sensación de profundidad.

Obras:

"El sueño de Jacob"

Caracterizada por el dominio de la luz y sus líneas diagonales. Logra humanizar el tema del reposo:

Francisco de Zurbarán (1598-1664)

Supo plasmar con seria melancolía los ideales de la Contrareforma y fervir de las órdenes religiosas. Sus principales clientes fueron los conventos dominicos, jerónimos y cartujos, quienes disfrutaban su manera de representar con tanta finura los estados más elevados del alma. Domina el claroscuro y el naturalismo. Su estilo es que una luz blanca refleja la transposición divina.

Obras:

"San Hugo en refectorio"

Realata el momendo cuando San Hugo reprende a los cartujos porque no guardaron la debida abstinencia. Al fondo, se presenta el cuado de san Juan Bautista y la Virgen durante su huída a Egipto. Los objetos sobre la mesa se prpesentan como auténticos bodegones.

El Barroco

"El arte de la apariencia"

En el siglo XVIII aparecieron las primeras acepciones del término "barroco", que proviene de barrueco, cuyo significado es: perla irregular, palabra que hacía alusión a una obra que no respetaba las normas de la armonía. Otros definían al Barroco como silogismo medieval que ocultaba un fondo de inconsistente lógica.
El Barroco es entonces un arte desproporcionado, truculento y caprichoso. Es el estilo del movimiento de las formas y la libre expresión de los sentimientos. Es un dinamismo que se da por el enfrentamiento de formas, modos o temas contrapuestos. La música Barroca lleva el mismo concepto, es decir, confronta dos melodías opuestas prduciendo una globalidad armónica insuperable.

Diferencias del Barroco con el arte Renacentista:

- Lineal / Pictórico
- Superficial / Profundo
- Forma abierta / Cerrada
- Pluralidad / Unidad
- Claridad / Falta de Claridad

"Arte de la Iglesia Católica"

A raíz de que la Teis protestante se fue extendiendo por difversos lugares de Europa en el siglo XVI, Roma iba perdiendo hegemonía tanto en ámbito político como religioso. Es por ello que era necesaria una reafirmación del catolicismo sobre la Reforma, fue entonces que se creó la Contrareforma cuyos objetivos eran los siguientes:

-Remodelación desde dentro de la propia institución.
-Respuesta dogmática al nuevo pensamiento protestante.

Es por ello que se creó el Concilio de Trento y la Compañía de Jesús, donde sus conclusione fueron determinantes en la formación del arte Barroco, he aquí un fragmeto de lo expuesto eb su última sesión en diciembre de 1563: "...por medios de las historias de los misterios de nuestra Redención, descritos en pinturas o en otras representaciones, el pueblo sea instruido y confirmado en el hábito de rec9rdar y meditar continuamente los artículos de fe".

Arte Rococó

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Un estilo esencialmente decorativo

El Columpio de Jean Honoré Fragonard En el contexto de este movimiento artístico, el cuadro presenta un exquisito tema galante donde un hombre mayor empuja el columpio de una dama que mueve su falda mientras un noble observa la escena desde abajo. Es más que obvio que ella seduce y participa en actividades prohibidas; se podría decir que existe un paralelismo entre el vaivén del columpio y la volubilidad del amor femenino. Se deben observar las figuras mitológicas que decoran el jardín, el manejo de la luz que entra por las ramas, y en general, el lugar campestre donde se ubica la escena.


El término “rococó” deriva del francés rocaille, que puede traducirse como rocalla, dibujo en forma de valva de ostra, elemento principal de la decoración rococó. Esta forma, al combinarse con elementos vegetales, adquirió un carácter anti-naturalista y fantástico. Este tipo de decoración se empleó en los techos y en las paredes de los palacios, complementada con grandes espejos dorados y suntuosos cortinados.

Durante el reinado de Luis XV, el estilo presenta innumerable cantidad de curvas y contracurvas y es muy recargado; en la época de Luis XVI aparecen, en cambio, líneas rectas y ciertos elementos decorativos de origen greco-latino que se vinculan con el descubrimiento de la ciudad romana de Pompeya. Este gusto por una mayor sobriedad se relaciona también con la presencia del racionalismo burgués expresado en las ideas de la Ilustración.

En la pintura y la escultura los personajes son representados con mucha elegancia y la naturaleza está idealizada. La pintura desarrolló diferentes temas, entre los que predominaron el retrato, los temas mitológicos, las escenas cortesanas y el paisaje. Este último tuvo gran desarrollo en Venecia, donde pintores como Canaletto y Guardi captaron distintas vistas de la ciudad y diferentes ceremonias que se desarrollaban en sus calles y plazas. En Francia, lugar de origen del arte rococó, sobresalieron Watteau, Fragonard y Boucher, que pintaron escenas aristocráticas y cortesanas.




Estuco: Masa de yeso y agua de cola que se utiliza para hacer esculturas y relieves en muros y bóvedas, así como objetos que luego se doran o pintan. También recibe ese nombre la masa de yeso fino, cal apagada y polvo de mármol con la que se revocan paredes, que luego se pintan o barnizan.




Salón con decoración rococó de la academia del Teresianum, en Viena.
El mármol simulado, los estucos y las maderas pintadas son recursos decorativos habituales en el estilo rococó.





Vista de San Marcos desde San Giorgio Maggiore. (detalle)
Óleo de Canaletto (1697-1768).

Las pinturas de Canaletto constituyen un documento gráfico de gran exactitud. Al dibujo minucioso de los edificios y de otros elementos representados, Canaletto agregaba un cuida­doso trabajo para representar las características atmosféricas y los detalles de color. El conjunto, sin embargo, no sólo produce un efecto realista. La composición de la imagen y el uso del color le confieren teatralidad, un rasgo característico de la pintura del siglo XVIII.





Retrato de Mademoiselle Henriette. Óleo de Jean-Marc
Nattier (1685-1766), 1754.

El retrato fue el género pictórico más desarrollado durante el siglo XVIII. La monarquía y los miembros de la nobleza y la alta burguesía encargaban a los artistas retratos que expresa­ran sus ideales de vida. El retrato de Mademoiselle Henriet­te, princesa de la casa real francesa, muestra las característi­cas de estas pinturas destinadas a engalanar los ambientes de las residencias de la nobleza. Mademoiselle Henriette, vesti­da con ricas telas, aparece delante de un enorme cortinado mientras se dispone a tomar el cello. El pintor la ha retratado como si la hubiera sorprendido tocando música y ella en rea­lidad no hubiera posado. Los instrumentos musicales presen­tes —detrás del cortinado se asoma un clave— sirven para convertir a la joven en una alegoría de la música.




Gules. Óleo de Antoine Watteau (1684-1721), 1717.

Watteau fue uno de los máximos representantes del arte rococó. En esta obra, cuya figura central es un payaso, rompe con los esquemas tradicionales de tomar como protagonista a un rey, a un santo o a algún otro personaje destacado.

Hombre del turbante

El Nacimiento de Venus

La pintura de Boticelli no solo resalta por ser lel primer cuadro Renacentista, sino porque abarca temas mitologógicos.

1- Venus es considerada hija de Zeus y Dione, por ende Venus representa el amor carnal entre ellos.

2-Urano (el cielo) y Gea (la tierra) se unieron para concebir a los primer humanos, pero Cronos uno de sus hijos castró a su padre y sus testículos fueron arrojados al mar y de la espuma surgida nació la dios Venus.

Boticelli, muestra a Venus como una mujer púdica donde se muestra tapándose con las manos las partes íntimas de su cuerpo. Observamos que al lado izquierdo de Venus hay dos personajes que soplan hacia ella para así acercarla a la orilla del mar. Vemos como vuelan flores representando así su belleza y las espinas como símbolo de dolor.

En la pintura observamos varios contrastes de colores, por ejemplo los tonos fríos, como los azules, verdes oscuros, con los colores cálidos; medios rosas y mucho detalle dorado en los cabellos de Venus.

A Chambiarte le transmite energía, porque esta energía está llena de tensión. Tensión en los personajes.

La Última Cena

Leonardo Da Vinci, entre los años 1494 y 1497 realizó en una obra de arte la representación de "La Última Cena". La imponente figura se caracteriza por ser una obra que respeta la asimetría, y donde, el genio de Leonardo, logra administrar a los personajes en grupos de tres personas, separando a Jesús de los demás apóstoles.

"La Última Cena" se caracteriza también por la perfección en que son representados los personajes, respetando así la varible de perfección de la era del Cinquecento. Del mismo modos se logra el movimiento sereno de los protagonistas, excediendo así el comportamiento natural de ellos, para así ser idealizados como grandes protagonistas de una historia... como superhéores que siembran sentimientos a quienes ven el cuadro.

Gracias a la forma en que se plasma la luz y a los efectos de contrase en los tonos, se pueden describir mejor a los personajes, dándoles así aspectos dramáticos ó tranquilizadores.

La Gioconda

La Gioconda, La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde o Madonna Elisa, es el cuadro más emblemático de Leonardo Da Vinci, el cual se exhibe en el Museo de Louvre de París.

La Gioconda traducido al castellano significa alegre, y lo demuestra en la sonrisa misteriosa que se ve en su rostro. Mucho se ha hablado de la identidad de La Gioconda, aunque se puede afirmar que se hizo en honor a Lisa Guerardini, esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo.

El cuadro es pintado al óleo puro, sobre un soporte de trabla de 77 por 53 cm. Se estima que fue pintado entre los años 1503 y 1506 y se caracteriza por estar protegida por numerosos sistemas de seguridad para su mejor preservación.

La Gioconda escuche muchos misterios, pues aún es misterioso quién podría ser la joven retratada; algunos dicen que puso haber sido una vecina del Leonardo y que posiblemente estaba embarazada.

La belleza con la que es representada la obra no es únicamente el motivo por el cual es famosa, sino en los secretos que esta esconde. Si uno logra ver el cuadro por los lados de este, podría afirmar que la Gioconda está mirándolo y si es que la persona camina, ella puede seguirte con la mirada. Hay mucha gente que se inspiró en la Gioconda para seguir el camino de los artistas y también es motivo de muchas parodias... esto y muchas cosas más son grandes motivos para que esta pintura se la más famosa a nivel mundial.

La Primavera, Alegoría de la primavera

La visión de Botticelli está centrada sobre las líneas de los contornos. En esta preferencia por las líneas más que por las masas y los colores reside su límite, por eso en esta pintura representa la naturaleza, es paisajista, muestra la alegoría y felicidad de la juventud.

Observamos un detallado y definido claro-osucuro porque se hace que los personajes en la pintura se conviertan en más protagonistas de la pintura. Luego de ello, nuestra visión si fija en fondo y algunos detalles.

No solo la pintura nos muestra la primavera, sino también muestra mitos y leyendas, como por ejemplo las flores que aparecen como espíritus de una forma meda maléfica; elfos, ninfas, adas y demonios.

Encontramos también cierto movimiento en los cabellos y túnicas pero no llegan a convertirse en figuras "3D".

La Primavera, Alegoría de la primavera

Diferencias entre la pintura Románica y la pintura Gótica

Pintura románica

-Se representan muchas escenas biblicas.
-Se une a la arquitectura de manera total.
-El soporte donde se realizaban eran la tabla (retablos) y en muros de yeso fresco (ábsides y naves).
-Predominan los colores fuertes, existe una gran policromía.
-El trazo es fuerte, por ende las dibujos tienen líneas demasiado gruesas
-Las escenas que se presentan son muy sencillas, sin embargo logran impresionar, se expresan con mucha ingenuidad.
-No se esfuerzan en en fondo de la figura, sino en las figuras para así se les preste mayor atención.



Pintura gótica

-No solo se presentan figuras religiosas sino también costumbristas.
-No se limitan solo a ser plasmados como decoración en los muros pues se realizan también en vidrieras y sobre lienzos.
-Hay colores fuerte y también suaves.
-Los fondos que se presentan ahora son de oro o pueden llevar escenas arquitectónicas, aunque el dibujo sigue siendo el centro de atención.
-Son un poco más realistas que las del arte Románico.
-Existe un mayor interés por los temas de la naturaleza.

Diferencias entre arquitectura Gótica y el arte Románica

Arquitectura románica (siglos XI - XIII)

-Es exclusivamente religiosa representada en monasterios e iglesias.
-Las naves presentan la misma altura.
-Las torres de los campanarios son de baja altura.
-Los arcos se caracterizan por ser de medio punto.
-Predominan las bóvedas de cañón.
-Los muros son gruesos que logran soportan el peso de la bóveda.
-Los muros se refuerzan con contrafuertes la exterior.
-Las ventanas son pequeñas.
-La iluminación es muy poca.
-Las plantas o bases tienen una más naves.
-Los Ábsides son semicirculares.
-Presentan a los claustros y pórticos que descansan sobre columnas y estas a su vez están sobre un pedestal corrido.
-Los aleros están decorados con seres fantásticos.
-En las portadas hay arquivoltas en encerradas con un tímpano caracterizado por sus relieves.

Arquitectura gótica (siglos XII - XVI)

-No es exclusivamente religiosa (que se da más en las catedrales) sino también en las civiles (representadas más en castillos y palacios)
-La navel central es más elevada que las laterales.
-Las torres son más altas y agudas, donde las flechas de los campanarios presentan una gran decoración.
-Se caracterizan por sus arcos apuntados.
-En lugar de bóvedas de cañón, predominan las bóvedas de crucería.
-Los muros son más delgados.
-Las bóvedas descansan sobre arbotantes apoyándose en estribos.
-Exhiben ventanales mucho más grandes, que a su vez tienen vidrieras multicolores y llamativos rosetones con tracería calada
-Son construcciones mucho más luminosas.
-Los pilares son más esbeltos y estilizadoscon y un número considereable de columnas adosadas.
-Las plantas de cruz pueden tener varias naves.
-Los absides pueden ser pentagonales.
-El exterior presenta una menor dcoración.
-Las arquivoltas son ahora apuntadas y los tímpanos más simples.

Los Tetramorfos

Como características generales que representan al arte románico, podemos rescatar la solidez de la construcción (eran hechos con piedra), muros anchos que resistes las estructuras, el uso de los arcos de medio punto, bóvedas de cáñón, etc. Ahora, el objetivo principal del arte románico fue el de transmitir mensajes religiosos y simbólicos a las personas analfabetas que solo aprendían viendo las figuras en las piedras.

En la mayoría y en los mejores templos, se transmitía un rico universo teofánico gracias a las figuras tatuadas en las fachadas, tímpanos y capiteles de columnas. En ellas se reflejaban pasajes del Antiguo y Nuevo Testamento, donde aparecen seres extraños que no hacían más que reflejar el pecado y sus consecuencias.

Como tema principal de esta enseñanza, es el Juicio Final donde Cristo, que aparece en los cielos, está rodeado por los famosos Tetramorfos, que es la representación de los cuatro evangelios en forma de animales.

La palabra tetramofos provienen del griego tretra (τετρα) que quiere decir "cuatro" y de morfé (μορφη), cuya definición es "forma"; entonces, los tetramorfos son cuatro elementos o formas que crean una representación iconográfica. Ya se había hablado en el Antiguio Testamento, que las visiones de Ezequiel fueron cuatro critaturas que si los mirabas defrente tenían gestos humanos pero de espaldas eran animales. En el Apocalípsis también se refieren a los Tetramorfos cuando se describen cuatro ángeles en forma de animales que rodean al Pantocrátor (del griego pantokrátor -átoros, compuesto de pâs pantós —en español: «todo»— y de un derivado de krátos —en español: fuerza, poder; en la cultura cristiana se utiliza para referirse al Dios o a Cristo)

Ya en la Edad Media se atribuyeron a los tetramorfos como los cuatro evangelistas:

El hombre con alas se asocia a Mateo, quien en su evangelio inicia con una genealogía de Cristo.

A Marcos se le ha asciado con el león, pues, su evangelio inicia con Juan el Bautista o también conocido como "Voz que clama en el desierto", entonces suponen que es voz sería tan fuerte como los rugidos de un león.

La figura que representaría a Lucas sería el toro. Lucas habla en su evangelio sobre el sacrificio de Zacarias (pade de Juan el Bautista) a Dios, el cual fue un toro o un buey

Juan es el águila, pues su evangelio es el más teológico que los demás y por ende, se "eleva" frente a los otros tres.

Los Tetramorfos guardan diferentes relaciones. En cuantro a los signos del Zodiaco, se dice que Ezequiel argumentaba que el toro sería Tauro, el León, Leó; el águila representaría al signo Escorpio y el hombre alado sería Acuario. Estas mismas constelaciones darían lugar al equinoccio de primavera (Tauro), el solsticio de verano (Leo), el equinoccio de otoño (Escorpio) y el solsticio de invierno (Acuario)

También se ha comentado que los tetramorfos hacen referencia al amor, la justicia, la sabiduría y el poder.

Arte y Arquitectura Románica

San Martín de Frómista

San Juan Bautista

Monasterio de Rodilla

Interior y capitel de San Martín de Frómista

Tímpano de la portada de la Catedral de Conques (Francia)

Iglesia de tres naves con tres niveles

Iglesia de tres naves con tribuna

Las imágenes anteriores son una muestra de la gran y basta cantidad de magnificas obras arquitectónicas del período románico, donde podemos apreciar un alto nivel de lo sincrético y donde la religion es una constante en muchas de las obras. La mayoría de las imágenes son de iglesias, templos, algunas fachadas, etc. Se logra percibir fuertemente la carga simbólica con la que cuentan esos espacios, donde de manera clara se muestra el sentir y la fe de esas poblaciones.
Muchas de las obras son de España, algunas de la época más alguida de la lucha contra los moros, y es ahí donde podemos percibir estos templos como ejes de la fe, dada por los señores hacia su pueblo, que resguardaba su fe y cultura dentro de esos palacetes o templos, de esa España que luchaba una recistenia.
En cada imagen podemos percibir el nivel de equilibrio entre los símbolos y los espacios, como las formas y las líneas de bóbedas y pilares, como muros. Esas obras arquitectónicas son piezas maestras de una época, donde podemos apreciar, también, la gran influencia de esas obras con las que se dan en algunos reductos de la historia estática en nuestro país - la sierra- donde la fe juega un papel importante en la cohesión social de esos pueblos.